Fama y Soledad de Picasso de John Berger

Un retrato íntimo y controvertido de Pablo Picasso, por John Berger, ganador del Premio Booker. En su momento de mayor genialidad, Pablo Picasso era el pintor revolucionario que desafiaba a los valores de su época. En su momento de mayor fama, era como un personaje de la realeza: idolatrado, rico y en absoluto aislamiento. John Berger dirige su penetrante mirada sobre este pintor enigmático y prodigioso. En una senda que abarca historia, política y arte, vida pública y privada, Berger sigue el recorrido de Picasso desde su infancia malagueña hasta el periodo azul y el Cubismo, de la creación del Guernica a los grabados de sus últimos años, ofreciéndonos la dimensión exacta de sus triunfos y el coste implacable de su fama.

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Cuando fue publicado por primera vez, la crítica tildó este libro de «insolente, insensible, doctrinario y perverso». Esta edición revisada y con un nuevo ensayo, demuestra el poder y la vigencia de «el libro más importante sobre Picasso escrito hasta hoy… Una biografía profunda, seria, crítica, tan demoledora como llena de comprensión» (John Canaday, New Republic).

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Palacio de Catalina

El Palacio de Catalina (ruso: Екатерининский дворец) era la residencia de verano de los zares de Rusia, de estilo rococó y ubicada en la ciudad de Tsárskoye Seló (actualmente llamada Pushkin), a 25 km al sureste de San Petersburgo, antigua capital del Imperio ruso. El palacio está integrado, junto con el conjunto de palacios y parques de la ciudad de Pushkin, así como su centro histórico (código 540-006) en el lugar Patrimonio de la Humanidad llamado «Centro histórico de San Petersburgo y conjuntos monumentales anexos»

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Historia

La residencia tiene su origen en el año 1717, cuando Catalina I de Rusia contrató al arquitecto alemán Johann-Friedrich Braunstein para construirle un palacio de verano para su distracción. En 1733, la emperatriz Ana encargó a Mijaíl Zemtsov y Andréi Kvasov que ampliaran el Palacio de Catalina. La emperatriz Isabel, sin embargo, consideró que la residencia de su madre estaba pasada de moda y era incómoda y en mayo del año 1752 pidió a su arquitecto de corte, Bartolomeo Rastrelli que demoliera la antigua estructura y la reemplazara con un edificio mucho más grande en un llamativo estilo rococó. La construcción tardó cuatro años y el 30 de julio de 1756, el arquitecto le presentó el flamante nuevo palacio de 325 metros de largo a la emperatriz, sus aturdidos cortesanos y estupefactos embajadores extranjeros.

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Dánae recibiendo la lluvia de oro (Tiziano)

Dánae recibiendo la lluvia de oro es un cuadro pintado en el siglo XVI por Tiziano, y ahora expuesto en el Museo del Prado.

Se trata de una versión tardía, de hacia 1565, de un tema repetidamente tratado por Tiziano y su taller. Hasta fecha reciente se sobreentendía que este cuadro fue el que Felipe II encargó como pareja de otro igualmente conservado en el Prado: Venus y Adonis. Nuevas investigaciones han desvelado que esta Dánae no perteneció a Felipe II sino que fue adquirida por Velázquez en Italia hacia el año 1630. La Dánae de Felipe II es otra que salió de la colección real española al ser sustraída por José Bonaparte. Ahora se conserva en Londres (Apsley House, colección privada de los Duques de Wellington).

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Con el nombre de «Poesías», denominó Tiziano a un grupo de seis cuadros, destinados a Felipe II, entonces aún príncipe, de los que los dos primeros fueron Dánae recibiendo la lluvia de oro (versión de Londres) y Venus y Adonis (versión Prado). Ambos diseños ya habían sido plasmados por Tiziano en otros cuadros, y posteriormente surgieron de su taller varias versiones más. Los otros lienzos de la serie para Felipe II fueron El rapto de Europa (Isabella Stewart Gardner Museum, Boston), Diana y Acteón y Diana y Calisto (ambos vendidos recientemente por el duque de Sutherland a la Galería Nacional de Escocia y a la National Gallery de Londres) y Andrómeda y Perseo (Colección Wallace, Londres).

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Domenico Ghirlandaio

Domenico Bigordi o Domenico Curradi, más conocido por el apodo Ghirlandaio (Florencia, 144911 de enero de 1494) fue un pintor cuatrocentista italiano. Entre los muchos aprendices que se formaron en su taller, destaca sobre todos ellos Miguel Ángel.

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Trabajó sobre todo en su ciudad natal, encontrándose entre los protagonistas del renacimiento en la época de Lorenzo el Magnífico. Hacia 1480 se convirtió de hecho en el retratista oficial de la alta sociedad florentina, gracias a su estilo preciso, amable y veloz. Jefe de un nutrido y eficiente taller, en el que dio sus primeros pasos en el campo del arte un Miguel Ángel de trece años, es recordado sobre todo por los grandes ciclos de frescos, como son algunas escenas de la Capilla Sixtina en Roma, la Capilla Sassetti y la Capilla Tornabuoni en su ciudad natal. Domenico formó parte así de la llamada “tercera generación” del renacimiento en Florencia, junto a maestros como Verrocchio, los hermanos Pollaiuolo y el joven Sandro Botticelli.

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Sus hermanos Davide y Benedetto fueron también pintores activos en su taller, así como su cuñado Sebastiano Mainardi de San Gimignano. También su hijo Ridolfo fue un importante pintor activo en la Florencia del renacimiento tardío.

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Marte desarmado por Venus y las Gracias

Marte desarmado por Venus y las Gracias es una pintura de Jacques-Louis David, que se conserva en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas.

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Es un lienzo monumental realizado en los últimos años de Jacques-Louis David, durante su exilio, y con él pone fin a una larga carrera artística. Tenía 73 años cuando comenzó esta obra en Bruselas, y tardó tres años en completarlo. En una escena fantástica con un templo que flota entre las nubes, Venus y sus acólitos, las Tres Gracias y Cupido, se aplican en desarmar al dios.

Marte, el dios de la guerra, es despojado de sus armas con complacencia, mientras sucumbe a los encantos de Venus, reflejando una de las imágenes recuperadas en el Renacimiento que muestra a ambos dioses como una pareja ideal.

Este trabajo es un intento impresionante y ambicioso por lograr una síntesis entre el mundo antiguo, el idealismo y el realismo y fue presentado en una exposición privada en París.

https://es.wikipedia.org/wiki/Marte_desarmado_por_Venus_y_las_Gracias

Jean Béraud

372px-jean_beraud_by_jean_beraudJean Béraud (* San Petersburgo, Rusia, 12 de enero de 1849 – † París, 4 de octubre de 1935) fue un pintor francés.

Biografía

Su padre, también llamado Jean, fue escultor y decidió instalarse en San Petersburgo con su familia para trabajar en la obra de la Catedral de San Isaac. Su madre, Geneviève Eugénie Jacquin, le siguió con sus dos hijas, Adrienne y Estelle, a las que se unieron Jean y Mélanie el 12 de enero de 1849. A la muerte de su marido, cuatro años más tarde, la Sra. Béraud regresó a Francia acompañada por sus cuatro hijos, y se instaló en París. Inicialmente, Jean Béraud no parece seguir los pasos de su padre puesto que tras su adolescencia fue al colegio Bonaparte (rebautizado hoy colegio Condorcet) y se inscribió en la facultad de Derecho de París. Tras acabar sus estudios empezó a trabajar como abogado. Sin embargo la llegada de los Prusianos a la capital y posterior ocupación de la ciudad truncaron su carrera profesional.

 

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En 1872 decidió acudir a las clases de Léon Bonnat, uno de los artistas más influyentes del momento, ocupando un taller en el barrio de Montmartre. Al año siguiente deja el taller para exponer en El Salón, la gran cita anual del arte. Sus primeros temas son retratos de hombres, mujeres y niños antes de arriesgarse en 1875 con un tema mitológico, una Léda. No es aún más que un retratista entre otros.

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Camille Pissarro

Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (Saint Thomas, 10 de julio de 1830París, 13 de noviembre de 1903), fue un pintor impresionista, y se le considera como uno de los fundadores de ese movimiento.

Se le conoce como uno de los “padres del impresionismo”. Pintó la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.

Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con Gauguin, con quien luego tuvo relaciones tensas

 

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John William Waterhouse

John William Waterhouse (Roma, 6 de abril de 1849Londres, 10 de febrero de 1917) fue un pintor británico. Hijo de artistas, sus comienzos como pintor estuvieron influidos por el neoclasicismo victoriano. En la fase siguiente, se convierte en un pintor prerrafaelita. Más tarde estuvo atraído por el plenairismo de los impresionistas franceses. Si al principio de su carrera se dedicó a temas de la antigüedad clásica, más adelante abordó los literarios, siempre con un estilo suave y misterioso, imbuido de romanticismo, que permiten encuadrarlo dentro del simbolismo. Pintor famoso en vida, su fama decayó durante el siglo XX. Sin embargo, a fines de esta centuria se produjo una revaloralización de sus aportes a la historia de la pintura.

 

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Evolución artística

El estilo pictórico de Waterhouse se mantuvo prácticamente inalterable en toda su vida, pero en cualquier caso, la temática de sus obras va cambiando según la etapa que atravesaba.

En una primera etapa podemos distinguir obras de temática clásica, correspondiente a los viajes de Waterhouse por Italia. A partir de 1880 inicia una nueva época basada en temas literarios, donde se ve una clara influencia de la mitología y literatura griegas. A partir de 1900, influenciado por el Impresionismo, se muestra más tranquilo y utiliza colores más claros y brillantes.

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La urraca, del pintor impresionista francés Claude Monet

La urraca (en francés: La Pie) es un óleo sobre lienzo del pintor impresionista francés Claude Monet, creado durante el invierno de 1868-1869 cerca de la comuna de Étretat en Normandía. El patrón de Monet, Louis Joachim Gaudibert, colaboró para arreglar una casa en Étretat para Camille Doncieux —la novia de Monet— y su hijo recién nacido, lo que permitió a Monet pintar con relativa comodidad, rodeado de su familia.

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Entre 1867 y 1893, Monet y sus colegas impresionistas Alfred Sisley y Camille Pissarro pintaron cientos de paisajes que ilustran el efecto natural de la nieve (effet de neige). Pinturas de invierno similares de menor cantidad fueron producidas por Pierre-Auguste Renoir, Gustave Caillebotte y Paul Gauguin. Los historiadores de arte creen que una serie de inviernos severos en Francia contribuyó a un aumento en el número de paisajes invernales producidos por los impresionistas.

La urraca es una de los casi 140 paisajes nevados producidos por Monet. Su primer paisaje nevado, Un carro en el camino nevado en Honfleur, fue pintado en algún momento de 1865 o 1867, seguido de una notable serie de paisajes nevados en el mismo año, comenzando por el Camino por la granja de Saint-Siméon en invierno. La urraca fue terminada en 1869 y es la pintura invernal más grande de Monet. Fue seguido por El cabo rojo (1869-1871), tal pintura solo se conoce por Camille Doncieux

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Las grandes bañistas (Cézanne, Filadelfia)

Los bañistas (francés: Les Grandes baigneuse) es una pintura al óleo por el artista francés Paul Cézanne expuso por primera vez en 1906. La pintura es la más grande de una serie de pinturas “Bañista” de Cézanne; los otros están en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, National Gallery, Londres, la Fundación Barnes, Filadelfia, y el Instituto de Arte de Chicago.   referido ocasionalmente como las grandes bañistas o bañistas grandes para distinguirla de las obras más pequeñas, la pintura es considerada una de las obras maestras del arte moderno,  y, a menudo se considera el mejor trabajo de Cézanne.

 

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Arts & Culture

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Cézanne trabajó en la pintura durante siete años, y se quedó sin terminar en el momento de su muerte en 1906. La pintura fue comprada en 1937 por $ 110.000 con fondos de un fondo fiduciario para el Museo de Arte de Filadelfia por su principal benefactor José E. Widener. Que era propiedad de Leo Stein.

 

Con cada versión de los bañistas, Cézanne se alejó de la presentación tradicional de pinturas, crear intencionalmente obras que no atraen al espectador novato.  Lo hizo con el fin de evitar las modas pasajeras y dar una calidad atemporal de su obra, y al hacerlo allanado el camino para futuros artistas no tener en cuenta las tendencias actuales y los pedazos de pintura que atraen por igual a todas las generaciones.  Las hembras desnudos abstractos presentes en bañistas grandes dan la tensión pintura y la densidad.  Es excepcional entre su trabajo en las dimensiones simétricas, con la adaptación de las formas desnudas al patrón triangular de los árboles y el río. Utilizando la misma técnica que el empleado en la pintura de paisajes y naturalezas muertas, bañistas grandes es una reminiscencia de la obra de Tiziano y Rubens Peter Paul.  Las comparaciones también se hacen a menudo con el otro grupo famoso de las mujeres desnudas de la misma época, de Picasso Las señoritas de Avignon.

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La bacanal de los andrios, Tiziano

La bacanal de los andrios (en italiano Il Baccanale degli Andrii) es un cuadro del pintor italiano Tiziano. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 15181519, encontrándose actualmente en el Museo del Prado, en Madrid, España.

 

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Historia

Esta obra fue un encargo de Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para la decoración del Camerino de alabastro, una estancia del castillo ducal. Formaba conjunto con otras dos pinturas del mismo artista, La ofrenda a Venus (Museo del Prado) y Baco y Ariadna (National Gallery de Londres). Este conjunto decorativo incluía obras de otros autores, como El festín de los dioses de Giovanni Bellini (National Gallery de Washington), que Tiziano hubo de terminar por defunción de éste, así como alguna otra que no ha subsistido. El duque encargó obras a Fra Bartolommeo y a Rafael Sanzio, pero salvo algunos bocetos, no se llegaron a realizar.

A finales del siglo XVI, Ferrara pasó a ser dominio de los Estados Pontificios, por lo que la familia Este tuvo que mudarse a Módena. Se cuenta que durante el traslado de los duques, un allegado del Papa se apropió de diversas pinturas, entre ellas ésta y La Ofrenda. Ya en el siglo siguiente, en 1637, ambas obras de Tiziano fueron entregadas a Felipe IV de España como pago por el Estado de Piombino. El envío de ambas desde el puerto de Nápoles causó consternación entre los pintores italianos, como Domenichino, quien declaró que había despedido el barco que las llevaba «con lágrimas en los ojos»: «si ahora sé pintar cualquier figura, es gracias a ellas».

Copia de La Bacanal pintada por Rubens (Nationalmuseum de Estocolmo).

Ambos cuadros y el Baco y Ariadna de Londres fueron reproducidos en grabado por Giovanni Andrea Podestà y fueron seguidos como modelo creativo por múltiples artistas, no sólo Domenichino sino también Nicolas Poussin, Francesco Albani, Guido Reni y Rubens. Este último copió en Roma La bacanal y La Ofrenda, copias que conservó en su colección personal y que fueron adquiridas por Felipe IV en la almoneda realizada tras su muerte. Actualmente son propiedad del Nationalmuseum de Estocolmo.

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El quitasol, Francisco de Goya

El quitasol (1777) es un cuadro de Francisco de Goya conservado en el Museo del Prado y que forma parte de la serie de cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara; en concreto, para la serie destinada a la decoración del comedor del infante Carlos, entonces Príncipe de Asturias, en el Palacio Real de El Pardo.

El cuadro fue ejecutado con toda probabilidad entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777, a juzgar por la datación de la entrega de la obra terminada a la Manufactura de Tapices. En el verano de 1777, el pintor hizo entrega de una serie que se destinaba a decorar el comedor del Príncipe de Asturias. Estos cartones fueron titulados así: El quitasol, El paseo por Andalucía (o La maja y los embozados), El bebedor y La riña en la venta nueva. En el documento de cuenta Goya tasaba El quitasol en quinientos reales de vellón. Goya recibió por esta serie completa de cartones 18.000 reales.

 

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Francisco de Goya

Hacia la mitad del siglo XIX el óleo fue trasladado al Palacio Real de El Pardo, donde se almacenó en el sótano del oficio de tapicería. Por orden real de 18 de enero y 9 de febrero de 1870 el cuadro ingresa como parte de los fondos del Museo del Prado y aparece en su catálogo por vez primera en 1876.

 

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La Gioconda

La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el Museo del Louvre de París.

Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519, y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

 

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Leonardo da Vinci

Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente

 

Autor

Autorretrato de Leonardo da Vinci.

Leonardo da Vinci nació en el caserío de Anchiano del municipio de Vinci, en Italia. Fue fruto de la relación ilegítima del notario ser Piero y de su sirvienta, Catarina Vacca. A los 14 años entró en el prestigioso taller del pintor florentino Andrea Verrocchio, donde se formó como artista junto a Sandro Botticelli y Perugino. Desarrolló el estudio de las matemáticas, la geometría, la arquitectura, la perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, las cuales se consideraban indispensables en la época. Como educación complementaria, también estudió arquitectura e ingeniería. Leonardo fue un humanista renacentista, destacado en múltiples disciplinas. Sirvió a personas tan distintas e influyentes como a Lorenzo de Médici, al duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey Francisco I de Francia.

Debido a la minuciosidad de su técnica y también a sus muchas otras ocupaciones como inventor y diseñador, la producción pictórica de Leonardo es extremadamente escasa: los expertos reducen las obras de autoría relativamente segura a apenas una veintena, y de ellas muy pocas cuentan con pruebas documentales concluyentes. Entre sus pinturas más destacadas están La Virgen de las Rocas, La dama del armiño, el mural de La última cena y, la más famosa de todas: La Gioconda

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