Fama y Soledad de Picasso de John Berger

Un retrato íntimo y controvertido de Pablo Picasso, por John Berger, ganador del Premio Booker. En su momento de mayor genialidad, Pablo Picasso era el pintor revolucionario que desafiaba a los valores de su época. En su momento de mayor fama, era como un personaje de la realeza: idolatrado, rico y en absoluto aislamiento. John Berger dirige su penetrante mirada sobre este pintor enigmático y prodigioso. En una senda que abarca historia, política y arte, vida pública y privada, Berger sigue el recorrido de Picasso desde su infancia malagueña hasta el periodo azul y el Cubismo, de la creación del Guernica a los grabados de sus últimos años, ofreciéndonos la dimensión exacta de sus triunfos y el coste implacable de su fama.

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Cuando fue publicado por primera vez, la crítica tildó este libro de «insolente, insensible, doctrinario y perverso». Esta edición revisada y con un nuevo ensayo, demuestra el poder y la vigencia de «el libro más importante sobre Picasso escrito hasta hoy… Una biografía profunda, seria, crítica, tan demoledora como llena de comprensión» (John Canaday, New Republic).

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Trigal con cuervos, Vincent van Gogh

Trigal con cuervos,Campo de trigo con cuervos o Trigal bajo la tormenta (título completo en neerlandés: Korenvelden onder dreigende luchten met kraaien, lit. Maizales bajo un amenazador cielo con cuervos) es un óleo sobre lienzo del pintor holandés Vincent van Gogh.

Comúnmente se afirma que esta fue la última pintura de Van Gogh. Sin embargo, los historiadores de arte no están seguros de que la pintura sea la última, ya que no existen registros históricos claros de Van Gogh. La evidencia de sus cartas sugiere que Trigal con cuervos se completó alrededor del 10 de julio, y es anterior a pinturas tales como El Ayuntamiento de Auvers el 14 de julio de 1890 y Jardín de Daubigny. Por otra parte, Jan Hulsker señaló que una pintura de trigo cosechado, Campo con las pilas de trigo (F771), podría ser una pintura posterior

 

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Origen

Trigal con cuervos fue pintado en julio de 1890, en las últimas semanas de vida de Van Gogh. Muchos han afirmado que trata de su última pintura, mientras otros indican que es Raíces de árbol, o la ya mencionada Jardín de Daubigny, como su pintura final.

La obra representa un cielo dramático y nublado, lleno de cuervos sobre un campo de trigo. Una sensación de aislamiento se ve reforzada por un camino central que conduce a ninguna parte y por la dirección incierta del vuelo de los cuervos. El viento barre el trigal que llena dos tercios de la lona. Jules Michelet, uno de los autores favoritos de Van Gogh, escribió sobre los cuervos: «Se interesan en todo, y lo observan todo. Los antiguos, que tuvieron una vida mucho más completa que nosotros mismos y con la naturaleza, no encontraron siquiera un pequeño beneficio en seguir un centenar de cosas oscuras donde la experiencia humana todavía no ofrece luz, ni instrucciones de manera prudente y sabia como un pájaro». Kathleen Erickson consideró a la pintura como la expresión de tanto dolor y sensación porque su vida llegaba a su fin. Los cuervos eran utilizados por Van Gogh como un símbolo de la muerte y el renacimiento, o de la resurrección.  Erickson dijo que el camino, en contraste como colores rojos y verdes, posiblemente sea una metáfora de un sermón que él basó en El progreso del peregrino de Bunyan, donde el peregrino estaba triste porque el camino era demasiado largo, pero se regocijaba porque tenía la esperanza de llegar a la Ciudad Eterna al final de la jornada.

Trigal bajo nubes de tormenta (1890).

Alrededor del 10 de julio de1890, Van Gogh escribió a Theo van Gogh y Jo Bonger, diciendo que había pintado otros tres grandes lienzos en Auvers después de visitarlos en París el 6 de julio. Dos de ellos fueron descritos como campos de trigo de inmensas extensiones bajo cielos turbulentos, que se cree que son Trigal bajo el cielo nublado y Trigal con cuervos, y el tercero Jardín de Daubigny. Escribió que había estaba a punto de expresar su tristeza, para luego añadir «soledad extrema» (de la solitude extrême, en francés), pero también dijo que creía que los lienzos mostraban lo que considera un campo saludable y fortificado (y añade que tenía la intención de llegar a París tan pronto como le fuese posible):

No existe prueba de la creencia generalizada de que era esta la pintura que Van Gogh tenía en su caballete en el momento en que se suicidó. No hay nada en las palabras de Van Gogh para apoyar una interpretación simplista a lo largo de las líneas de angustia artística y desesperación.

Walther y Metzger se referían a una carta de Van Gogh de junio de 1880, en el que se comparó a sí mismo con un pájaro en una jaula, y puntualizaron:

En otras palabras, los cuervos en la pintura eran un símbolo del todo personal estrechamente asociado con la vida misma de Van Gogh.

Ingo F. Walther y Rainer Metzger. Van Gogh: The Complete Paintings.

Estas pinturas son ejemplos de alargados lienzos de Van Gogh, que exclusivamente utilizó en las últimas semanas de su vida, de junio a julio de 1890.

La pintura se encuentra en la colección del Museo van Gogh de Ámsterdam, al igual que Trigal bajo nubes de tormenta.

https://es.wikipedia.org/wiki/Trigal_con_cuervos

Marina Picasso quiere vender «La Californie», la millonaria casa de su abuelo

También subastará siete cuadros del famoso pintor malagueño. Podría embolsarse hasta 241 millones de euros

Marina Ruiz-Picasso (Cannes, 1951) ha decidido ahondar la ya legendaria y trágica ruptura con su abuelo tratando de vender discretamente parte de las obras del genio malagueño y «La Californie», la famosa villa que el pintor poseía en Cannes. Según informa el periódico «New York Post», la decisión de la descendiente de Pablo Picasso de rematar la valiosa herencia de su abuelo sería una manera de dejar atrás un legado que siempre ha asegurado que le fue dado «sin amor». «Es una manera de dejar atrás el pasado», reveló un amigo de la nieta del pintor al «Post».

 

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Según el periódico neoyorquino, Ruiz-Picasso, que es hija de Paulo, único hijo del pintor malagueño y de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Koklova, tendría planeado reunirse personalmente con los potenciales compradores en Ginebra para negociar la venta del retrato «Portrait de femme (Olga)» (50 millones de euros), «Maternité» (45 millones), «Femme à la Mandoline» (50 millones), además de «La Californie» y otras obras y así hasta llegar a los 241 millones de euros.

Tras una larga y compleja batalla judicial y familiar, Marina heredó más de 400 pinturas y más de 7.000 dibujos, esculturas y grabados de Picasso. La suya ha sido una de las colecciones picassianas más importantes de la historia. Desde hace años, la heredera vende regularmente alguna de las obras de su colección para financiar acciones filantrópicas y antitaurinas. Coincidiendo con el fin de año, Ruiz-Picasso ha escrito una carta personal, manuscrita, dirigida a la Federación de Luchas por la Abolición de las Corridas (FLAC), anunciando que ha decidido participar «más activamente» en la lucha contra las corridas de toros, y no solo en Francia. En su caso, la crítica frontal a la tauromaquia tiene mucho de venganza póstuma contra Pablo Picasso. Pero no es la primera vez que arremete con extrema violencia contra la vida, la obra y el personaje público y privado de su abuelo.

 

Venganza póstuma

Cuando Picasso descubrió otro amor en el lecho de la joven Marie-Thérèse Walter, Olga Koklova pidió el divorcio, jamás aceptado por Picasso, para no ceder a su esposa legal la mitad de su patrimonio. Picasso «cuidó» de su primera mujer y de sus hijos, instalados «confortablemente» en la Costa Azul. Pero esos «cuidados» tuvieron un trágico costo humano. Paulo Picasso se dio al alcohol, destruyéndose muy prematuramente. Sus hijos, Pablito y Marina, terminaron viviendo con su abuela y realizando «visitas» a la casa del abuelo en circunstancias que Ruiz-Picasso ha contado muchas veces, dejándose llevar por unos recuerdos horrorosos.

La nieta del pintor publicó en su día un libro de «memorias» consagradas a su abuelo. Ese libro, «El abuelo», fue leído con pavor. Marina hacía un retrato devastador del artista, que llevaba a sus dos nietos a muchas corridas de toros. «Necesitaba sangre para firmar cada una de sus pinturas. He pasado toda mi vida tratando de escapar de la miseria creada por Picasso», dice ella en sus memorias.

El día de la muerte de Pablo Picasso, Pablito deseó dar un último adiós a su abuelo. Pero Jacqueline Roque, la última mujer del artista, impidió esa despedida íntima. A las pocas horas, el hermano de Marina se suicidó bebiendo una botella de lejía y ella misma sufrió un largo rosario de crisis psicológicas.

Heredera de un legado artístico y financiero excepcional, la «liberación» de Marina Ruiz-Picasso ha sido y continúa siendo un proceso largo y sinuoso, que podría llegar a su fin con la venta de la supuesta «herencia maldita» que le dejó el maestro del cubismo.

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El dormitorio en Arlés, Vincent van Gogh

El dormitorio en Arlés es un cuadro de Vincent van Gogh que representa el dormitorio del pintor durante su estancia en la ciudad francesa de Arlés, un motivo sobre el que pintó tres cuadros casi idénticos. El primero, conservado en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, fue ejecutado en octubre de 1888 y se deterioró en una inundación ocurrida durante la hospitalización del pintor. Cerca de un año después, emprendió la realización de dos copias: una, de mismas dimensiones, se conserva hoy en el Art Institute de Chicago; la otra, la del Museo de Orsay, realizada para su familia en Holanda, es de tamaño más reducido.

En una carta dirigida a su hermano Théo, Vincent explica lo que le incita a pintar una obra semejante: quiere expresar la tranquilidad y resaltar la sencillez de su dormitorio mediante el simbolismo de los colores. Para ello, describe: «los muros lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas y la cama amarillo de cromo, las almohadas y la sábana verde limón muy pálido, la manta roja sangre, la mesa de aseo anaranjada, la palangana azul, la ventana verde”, afirmando: “Había querido expresar un reposo absoluto mediante todos estos tonos diversos». Mediante estos diferentes tonos, Van Gogh hace referencia a Japón, a sus crespones y a sus estampas. Se justifica de este modo: «Los Japoneses han vivido en interiores muy sencillos y que grandes artistas han vivido en este país». Pese a que, para los japoneses, una habitación decorada con cuadros y muebles no parezca realmente sencilla, para Vincent es «un dormitorio vacío con una cama de madera y dos sillas». Alcanza, a pesar de todo, una cierta austeridad, por su composición constituida casi únicamente de líneas rectas y por la combinación rigurosa de superficies de color que compensan la inestabilidad de la perspectiva.

El dormitorio en Arlés (primera versión)
El dormitorio en Arlés
(primera versión)

Análisis

El cuadro representa el dormitorio de Van Gogh en el número 2 de la Place Lamartine en Arlés, Bocas del Ródano, Francia, conocida como la Casa Amarilla. Era la primera habitación propia que tenía Van Gogh. En ella estuvo en 1888-1889. Lo pintó antes de la llegada a Arlés de Paul Gaugin, amigo del artista: el encuentro habría hecho nacer luego un círculo artístico.

La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse. La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina.

Es un alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera en el ángulo y cuadros en las paredes.

Una fuerte perspectiva, con la típica leve torsión, propia del autor, refleja sus ideas sobre la pintura.

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El erotismo de Picasso se instala en Buenos Aires

Exponen grabados, litografías, tintas y carteles. Abre una muestra con cien obras en las que el sexo es un elemento central.

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Cuentan que la primera palabra que dijo el artista español Pablo Picasso fue “lápiz”. Su padre, pintor y profesor de arte, se preocupó después de formalizar su educación artística desde los 7 años. Aquel niño al que le gustaban los lápices creció y se convirtió en “el artista más grande del siglo XX”. Así lo define Jorge Calvo, responsable de la muestra Picasso erótico, que desde el lunes se podrá ver en Galerías Witcomb (Rodríguez Peña 1050, Capital). “No sólo abarcó todos los estilos sino que los rompió y no olvidemos que es el creador del cubismo”, añade el galerista.

Se trata de 100 obras entre grabados, litografías, tintas y carteles, que abarcan prácticamente todos los períodos de la vida del artista. “La parte más importante de la muestra”, explica Calvo, “es la Suite Vollard, considerada la obra cumbre de la historia del grabado”. En la muestra habrá 50 de los 100 grabados que Picasso (1881-1973) hizo para esta serie entre 1930 y 1937, coincidiendo con el momento en que se separó de su primera esposa, Olga Khokhlova y se enamoró de una joven de 17 años, María Teresa Walker. “Al analizar el conjunto de la serie”, cuenta el galerista, “no se encuentra pornografía ni perversión. Para él, el sexo era un canto a la vida y una fuente de inspiración”. En los grabados vemos trazos muy definidos y exhuberantes mujeres con los pechos al descubierto y aparece en varias ocasiones la figura del Minotauro -mitad hombre, mitad bestia- “que es una autorreferencia”, dice Calvo: “así se veía Picasso en sus relaciones con las mujeres, como una bestia, era un tipo muy oscuro en ese tema“.

También se podrán ver en la Galería Witcomb 20 grabados pertenecientes a la serie Suite 347, realizada por el artista en la última etapa de su vida, en los años 60, y considerada por los expertos el diario personal del autor del Guernica. En esta serie las escenas de sexo son más explícitas y, además en muchas de ellas los amantes son espiados por voyeurs.

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La iglesia de Auvers-sur-Oise

La iglesia de Auvers-sur-Oise es un cuadro pintado al óleo sobre tela del pintor holandés Vincent van Gogh. Data del año 1890. Mide 94 cm de alto y 74 cm de ancho. Esta pintura se encuentra en el Museo de Orsay (París, Francia).

Después de que Van Gogh dejase el hospital de Saint-Rémy-de-Provence el 16 de mayo de 1890, abandonó el sur de Francia para dirigirse al norte. Hizo una visita a su hermano Theo van Gogh en París y después se marchó a Auvers-sur-Oise, por consejo de su amigo Camille Pissarro, para que lo tratase el doctor Paul Gachet. Aquí Van Gogh pasó lo que serían sus últimas diez semanas de vida y en este breve lapso de tiempo pintó un centenar de cuadros. Van Gogh pintó durante un tiempo las flores del jardín del doctor, y luego fue dedicándose a la población y su entorno. Así descubrió la iglesia del pueblo, de estilo gótico, que pintó en este cuadro: La iglesia de Auvers-sur-Oise.

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Este cuadro, con otras telas como el Ayuntamiento de Auvers y numerosos cuadros de pequeñas casas con los tejados de tejas son reminiscencia de las escenas de los paisajes nórdicos de su infancia. Una cierta nostalgia por el norte se podía ya notar en sus últimas semanas en Saint-Rémy: en una carta de un par de semanas antes de su partida, escribe «mientras estaba enfermo hice de todas formas algunos pequeños lienzos de memoria, que verás más adelante, en recuerdo del norte.»

Precisamente, se refería a un trabajo similar hecho en Nuenen cuando describe este cuadro en una carta a su hermana Wilhelmina:

Tengo un cuadro más grande de la iglesia del pueblo – un efecto en el que la construcción parece ser violeta contra un cielo de simple azul oscuro, cobalto puro; las ventanas parecen como manchas de azul ultramar, el tejado es violeta y en parte anaranjado. Al fondo, florecen algunas plantas verdes, y arena con el reflejo rosa del sol. Y otra vez más es casi la misma cosa que los estudios que hice en Nuenen de la vieja torre y el cementerio, sólo que probablemente ahora el color es más expresivo, más suntuoso.

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La iglesia de Auvers-sur-Oise

El «simple azul oscuro» lo usó también en su Retrato de Adeline Ravoux, pintado en el mismo breve período que pasó en Auvers-sur-Oise.

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La vieja torre y el cementerio en Nuenen. 1885, Museo van Gogh

La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras. La parte superior del cuadro está iluminada brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y «ni refleja ni emana de ella ninguna luz propia».

Después de que Van Gogh fuera expulsado de la carrera evangélica que esperaba proseguir en el Borinage, escribió a su hermano Theo desde Cuesmes en julio de 1880, y citó la imagen de Shakespeare de Enrique IV, Parte 16 del vacío oscuro dentro de una iglesia para simbolizar una «predicación vacía y nada ilustrada»: «Su Dios es como el Dios del borracho Falstaff de Shakespeare, ‘el interior de una iglesia’»

Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. El tema de los caminos divergentes también aparece en Campo de trigo con cuervos. Por uno de ellos se acerca una campesina al templo. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles.

Los colores son fuertes. Las pinceladas se han aplicado con vigor.

Es uno de los últimos cuadros de Van Gogh y, sin embargo, nada permite pensar en la desesperación que le llevaría al suicidio.

La iglesia se encuentra en Place de l’Eglise, 95430 Auvers-sur-Oise, Francia

Subasta de Picasso alcanza 2.5 MDD en Londres

Entre las obras se incluyen algunas piezas de oro, plata y carteles del artista

Un documental sobre Van Gogh hecho con pinturas al óleo

Una productora audiovisual británica y una ilustradora polaca están trabajando en una película documental que narre la vida y la obra del artista.

 

En 2015 se cumplirán 125 años de la muerte del pintor holandés Vincent Van Gogh, ícono del impresionismo y autor de obras celebradas como La noche estrellada. Una productora audiovisual británica y una ilustradora polaca están trabajando en una película documental que narre la vida y la obra del artista. Para eso, cada fotograma se realizará con una pintura al óleo, emulando la técnica utilizada por el holandés. En total, se usarán alrededor de 56.000 lienzos basados en las obras maestras de Van Gogh.

http://www.revistaenie.clarin.com/arte

La viuda de los Van Gogh, Sánchez Camilo

Aunque la historia del arte tienda a descuidar esa cronología, los célebres hermanos Van Gogh mueren con apenas seis meses de diferencia. En julio de 1890, se suicida Vincent, y en enero de 1891, tras una lenta agonía, marcada por el duelo y por un atisbo de locura, se apaga Théo. Había defendido con furia esos cuadros que no encontraban eco en el presente, y era el legatario de la obra y de su posteridad. Lo vencen la tristeza y la desesperanza.454hjh
Es entonces que Johanna Van Gogh Bonger, viuda de Théo, 28 años, con un hijo que aún no ha dado sus primeros pasos, comienza a frecuentar la correspondencia entre los hermanos. Busca saber quién ha sido su marido, pero descubre una prosa tan intensa como el brillo de los cuadros que la despiertan al amanecer.
Bajo este impulso, esa mujer -que es poeta, estudiosa de Percy Shelley, que simpatiza con el incipiente movimiento feminista y fue investigadora del Museo Británico- recupera parte de las telas de su cuñado que habían quedado abandonadas en París. Y organiza una primera muestra de Vincent Van Gogh en Holanda: apenas quince dibujos que se exhiben en La Haya.
Su vida cambia de rumbo. Y de algún modo, la nuestra también. Johanna sigue los consejos que encuentra en la correspondencia del propio Vincent Van Gogh, que había sido un excelente marchand en su juventud. Y lentamente, con esfuerzo, rescata una obra que tenía destino de olvido.
Podría decirse que este libro es la crónica de esos tiempos. Pero eso sería, cuanto menos, un elogio injusto y menor. La viuda de los Van Gogh es, antes que nada, una novela inolvidable. Por la historia que cuenta, por la escritura, por su inteligencia y su estilo. Cuando parecía que nada más podría decirse sobre los Van Gogh y su mundo, Camilo Sánchez  demuestra que la literatura sigue siendo capaz de producir milagros inesperados en forma de ficción. Quizás por eso estas páginas se leen con admiración y felicidad.   http://www.edhasa.com.ar/libros

Vincent van Gogh, serie, Los girasoles

Los girasoles es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con quince girasoles en un jarrón, y dos con doce girasoles, también en un jarrón.

Van Gogh pintó el primer Jarrón con doce girasoles, que se encuentra actualmente en el Museo Neue Pinakothek de Múnich, y el primer Jarrón con quince girasoles, que se encuentra en la National Gallery, Londres, en agosto de 1888, cuando vivía en Arlés, en el sur de Francia. Las siguientes pinturas similares las pintó en enero del año siguiente. Las pinturas están todas pintadas en lienzos de cerca de 93 × 72 cm.

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Garçon à la pipe (Muchacho con pipa), es una pintura de Pablo Picasso.

 

Garçon à la pipe (Muchacho con pipa) es una pintura de Pablo Picasso. Fue pintado en 1905, cuando Picasso tenía 24 años, durante su Período Rosa, poco después se estableció en la sección de Montmartre de París, Francia. El óleo sobre lienzo de pintura representa a un niño parisino sosteniendo una pipa en la mano izquierda y con una guirnalda o corona de flores.

La pintura

Preparación

Principios de los preparativos de este trabajo que implica el posicionamiento del niño en todos los tipos de actitudes que participan en pie, sentado o recostado contra la pared.Después de reposicionamiento de gran parte de la modelo, Picasso decidió ir con el niño sentado. El siguiente fue cómo la posición del brazo, donde mucho tiempo fue gastado en la altura y el ángulo. Los primeros trabajos no muestran objetos que no sean de una tubería que se utiliza. Aunque Picasso comenzó a pintar este cuadro, le dio un período de descanso de un mes. Durante este tiempo, Picasso decidió acabar con él mediante la colocación de una guirnalda de flores sobre la cabeza del muchacho.No se sabe por qué Picasso decidió hacer esto, pero hay un contraste entre la feminidad y la masculinidad en la imagen.

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Vincent Willem van Gogh, Cartas desde la Locura

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Vincent Willem van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853  Auvers sur Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron 650 de sus 800 cartas conservadas.La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.

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El Guernica de Pablo Picasso

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Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
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